En 2019, Seguramente hemos pasado los días en la clase de música donde los niños son empujados a la batería y el trombón mientras que las niñas son empujadas hacia la flauta y el coro. No necesariamente es así.

Los investigadores musicales han encontrado constantemente lo que los músicos, educadores musicales, Los padres o estudiantes pueden haber notado de manera anecdótica:muchas personas tienen asociaciones de género con instrumentos particulares relacionados con el tono y el timbre de los instrumentos o su función y tamaño. Y, Estas asociaciones de género dan forma a las percepciones de las personas sobre la identidad de género y el papel social de los músicos y sobre qué instrumentos deben elegir las personas.

En los 1970s, en los Estados Unidos, Harold Abeles de la Universidad de Columbia y Susan Yank Porter de las Escuelas Públicas de Wilmington comenzaron a estudiar los efectos del género en la educación musical. Descubrieron que tanto los niños desde el jardín de infancia hasta el quinto grado como los adultos hacen asociaciones de género con los instrumentos musicales, y que los estudiantes y profesores de música tienden a preferir instrumentos "apropiados para el género".

También encontraron desde "más femenino a más masculino, "la lista se ve así:flauta, violín, clarinete, violonchelo, saxofón, trompeta, trombón y tambor. Persisten hallazgos similares en estudios realizados regularmente desde entonces.

Desafortunadamente, cuando los niños aprenden instrumentos que no les apasionan, la mayoría no se queda con la música por mucho tiempo.

Pero, ¿cuál es el trasfondo aquí? y ¿qué pueden hacer los maestros y los padres para asegurarse de que los niños seleccionen actividades musicales en función de sus verdaderos deseos?

Suena como historia de género

La investigación histórica muestra que las disparidades de género en la música han existido durante mucho tiempo.

Escribiendo en 1886, El crítico musical George Upton concluyó que las mujeres no podían ser creativas en la música. Su razonamiento fue que la historia muestra que las mujeres no escribieron buena música y que "tienen las mismas ventajas que los hombres, han fracasado como creadores ".

Como anécdota, En mi carrera docente e investigadora, he encontrado que muchos estudiantes de música repiten la falacia "si hubiera buenas mujeres músicas, habríamos oído hablar de ellas".

En la década de 1980, la erudita Ellen Koskoff de la Eastman School of Music, Universidad de Rochester, publicó un influyente volumen de ensayos que examinaban las experiencias de las mujeres en la música, tanto a nivel mundial como histórico. El volumen de Koskoff apunta al género de las actividades musicales como una experiencia pan-global.

Por supuesto, el corolario es que las actividades musicales de los hombres, aunque generalmente más amplio y prestigioso, también se prescriben y restringen. Ya en la década de 1930, los Diario de educadores musicales publicó un ensayo reflexivo de la profesora de música Inez Field Damon, "Los muchachos que no querían cantar". Damon lamenta sus experiencias al hablar con el director de una escuela en la que no logra engatusar la participación de los niños. El director responde:

"No puedes hacerlos cantar. Nunca cantan. Son pesados ​​en todo".

Más cerca de nuestro tiempo, La erudita en sociología de las artes Clare Hall de la Universidad de Monash en Australia examina la tendencia del "hombre perdido" en el canto en la escuela. Ella encuentra que muchos menos niños que se unen a coros o están dispuestos a cantar probablemente tienen su origen en la primera infancia.

El genio musical no es masculino

En mi trabajo, Estoy siguiendo la investigación de género en la educación musical. Hay muchas formas en que los investigadores están investigando esta área.

Los investigadores miran más allá de los instrumentos musicales, como barreras para las niñas que tocan la guitarra eléctrica, para incluir todo tipo de actividades musicales, incluida la recopilación de registros, Hacer de DJ o escribir y producir música.

Hay dos enfoques que apuntan hacia una mayor equidad de género en la educación musical, que también podrían adaptarse para combatir la inequidad de género en otros esfuerzos humanos, que realmente deben usarse de manera concertada. Estos se conocen como prácticas compensatorias y prácticas desafiantes.

Las prácticas compensatorias tienen como objetivo llenar algunos vacíos relacionados con la historia de la música. En lugar de simplemente estudiar a hombres europeos blancos muertos, Los educadores musicales deben incluir consciente y deliberadamente a mujeres de diversas culturas o antecedentes en la historia.

Estudiemos a la abadesa medieval Hildegard von Bingen y al compositor estadounidense, la cantante y arreglista Roberta Martin. Estudiemos a la guitarrista americana Maybelle Carter, o creadores de música contemporánea como el rockero de blues SATE o la vocalista Tanya Tagaq.

Y, para aquellos que se mofan de que no podemos simplemente no estudiar a Beethoven, Yo digo, "¡Por supuesto que estudiamos a Beethoven! Es bastante bueno. Pero, no privilegiamos el trabajo de Beethoven como intrínsecamente más importante o como producto del genio musical exclusivo de los hombres ".

Modelos a seguir

Las prácticas compensatorias utilizadas por sí solas no son suficientes. Es necesario llenar los huecos, pero solo, Las prácticas compensatorias no toman medidas para combatir el género continuo en la música. Se necesitan algunas prácticas desafiantes que interrumpan la formación de estereotipos de género. Uno de los más efectivos es proporcionar a los estudiantes una variedad de ejemplos musicales o modelos a seguir.

Se ha demostrado que es eficaz exponer a los estudiantes a imágenes de músicos masculinos y femeninos tocando instrumentos variados o en roles musicales variados. Pero cuidado, porque simplemente mostrando lo que podría considerarse como contraejemplos (solo chicas tocando la batería, por ejemplo) corre el riesgo de crear un sesgo de género igualmente fuerte desplazado del predominante.

Cualquier músico de toda la vida puede contarte los beneficios de hacer música. Hablamos de potenciar la autoestima y la autorregulación, construir comunidad y mejorar el rendimiento académico entre los beneficios. Pero no olvidemos la alegría y la necesaria autoexpresión que también aporta la creación musical.

Es una lástima que los niños se pierdan todos estos beneficios, ya sea porque alguien los empuja en la dirección equivocada debido a quién o qué parecen ser, o porque faltan o son ineficaces el estímulo y los esfuerzos para romper los estereotipos.

Este artículo se ha vuelto a publicar de The Conversation con una licencia de Creative Commons. Lea el artículo original.