El producto de cientos de años de tradición musical y narrativa unida a la tecnología informática, La música de los videojuegos ha pasado de ser una curiosidad tecnológica a algo vitalmente creativo. La semana que viene en Melbourne, Algunos de los mejores compositores de videojuegos del país se reunirán en la conferencia APRA AMCOS High Score para discutir el estado de la industria.

¿Cómo pasó el sonido de los videojuegos de pitidos y sonidos de borrado a complejas partituras musicales por derecho propio?

Un cuento contado musicalmente

En un sentido, La música de los videojuegos está estrechamente relacionada con la composición clásica de las bandas sonoras de películas, ópera, y ballet:partituras musicales creadas para acompañar y complementar una historia que se cuenta por otros medios.

La música de los videojuegos a menudo sigue esta tradición. Hay melodías musicales para personajes, por lugares, incluso para temas, ese espejo lo que se conoce como el leitmotif en ópera, bandas sonoras de ballet o películas. Wagner le dio a Siegfried una melodía para El ciclo del anillo; John Williams le dio a Darth Vader una Marcha Imperial; y en videojuegos, nuestros héroes y villanos obtienen sus propias marcas musicales, también.

Pero a pesar de todas sus similitudes, La música de los videojuegos siempre ha sido una bestia diferente. La música hace más que acompañar imágenes y narrativas, también reacciona a la acción.

Esto se debe a que los jugadores no solo miran cuando se trata de videojuegos. También realizan acciones:presionan botones, mueven personajes, ellos toman decisiones. Sucesivamente, Los videojuegos responden actuando sobre el jugador, mostrando opciones, proporcionando recompensas y quitándolas. La música debe existir como parte de este delicado sistema.

Tirando los dados

La capacidad de respuesta cambia los aspectos básicos de cómo funciona la música de videojuegos. ¿Cómo se escribe una melodía para un menú de juego que un jugador puede dejar en la pantalla durante cinco segundos? o tres horas? ¿Cómo se desarrolla un tema para un personaje con el que algunos jugadores pueden pasar horas? ¿Pero otros jugadores pasarán rápidamente de camino a otra escena? ¿Cómo funciona la música de suspenso si no estás seguro de cuán asustados estarán tus jugadores? o por cuanto tiempo?

Quizás el primer ejemplo de música reactiva surgió accidentalmente. En 1978, el ritmo musical del juego de arcade de Taito, Space Invaders, aumentó constantemente a medida que los jugadores se adentraban más en el juego. Cuantas más naves espaciales alienígenas derribara el jugador, cuanto más rápido se reproducía la música. El hecho de que esto se debiera en parte a una peculiaridad del hardware del juego (menos enemigos en pantalla significaba que el juego se ejecutaba con mayor facilidad) no disminuyó su impacto en la industria de los juegos.

Hoy dia, las cosas pueden ser un poco más complicadas. Para mi propio trabajo en Untitled Goose Game, recientemente lanzado, Dividí una pieza de música para piano solo escrita por el compositor Claude Debussy hace más de un siglo en varios cientos de secciones de dos a tres segundos. Luego creé dos performances de cada una:una con mucha energía y otra con poca energía. Los desarrolladores del juego utilizaron esta música para diseñar un sistema que permite al software elegir si reproducirá el rendimiento de alta o baja energía, o incluso el silencio, en un momento dado.

El resultado es algo que suena un poco a que un pianista está en la esquina de tu habitación, mirándote jugar el juego, como un acompañante de una sala de cine mudo hace cien años. Pero es el resultado de mucho código, mucha resolución de problemas, y mucho pensamiento creativo. Este tipo de enfoque tiene más en común con el vanguardia música de un John Cage, o una obra de Karlheinz Stockhausen, que fue pionero en la música aleatoria, donde algún elemento de la actuación se dejó al azar, como el lanzamiento de dados.

La tradición se encuentra con la tecnología

No hay ni mucho menos un modelo de música de videojuegos, aunque, y las cuatro décadas desde que Space Invaders han visto una variedad imposible de no solo diferentes enfoques técnicos, pero diferentes sonidos musicales.

Solo los videojuegos hechos en Melbourne han presentado el funk de The Bamboos para De Blob 2, una partitura orquestal interpretada por la Melbourne Symphony Orchestra para Jurassic Park:Operation Genesis, y una emotiva obra para violonchelo y piano para Florencia. También contamos con una próspera escena de "chiptune", donde la gente crea nueva música a partir de muestras a través de viejas consolas de videojuegos.

Alrededor del mundo, el sonido del videojuego se ha convertido en una especie de lingua franca para más de una generación de jugadores. La música de los videojuegos a veces se ve a través de una neblina nostálgica. El director Edgar Wright describió la música de Nintendo como "las rimas infantiles de una generación", mientras realizaba su película Scott Pilgrim vs The World.

En efecto, Es difícil exagerar lo integral que se ha convertido la música de los videojuegos en la vida de los jugadores. Una simple búsqueda en YouTube de versiones de la música de la franquicia Zelda de Nintendo, por ejemplo, produce más de seis millones de resultados, con los mejores videos que incluyen videos con guitarras, a capella cantando, marimbas, e incluso una actuación musical en copas de vino.

La música de los videojuegos es el sonido de una de nuestras formas culturales contemporáneas más populares. Anclado por la historia y la tradición, y habilitado por tecnología de punta. Los compositores de videojuegos de hoy crean mundos musicales amados por millones.

Este artículo se ha vuelto a publicar de The Conversation con una licencia de Creative Commons. Lea el artículo original.